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Un mes, un libro (V): Obra maestra.

11 May

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Título: Obra maestra

Autor. Juan Tallón

Editorial: Anagrama

Querido amigo A:

A medida que iba leyendo el libro que te adjunto me imaginaba lo mucho que habrías de disfrutar con el mismo. Ahora bien si me preguntas a qué genero deberíamos adscribirlo, francamente no sabría decirte. ¿Es relato novelado de unos hechos reales? ¿Es reportaje periodístico con añadidos novelescos? ¿Es novela negra? ¿Es simplemente la edición de una astracanada, no por ello menos trágica? Júzgalo tu mismo y luego me iluminarás con tu siempre ponderado juicio.

Para ir sacándote de la intriga (¿o quizás para introducirte más en ella?) intento situarte. El origen de lo relatado tiene lugar allá por el año de 1986, en aquella España en plena efervescencia democrática, necesitada de revalidarse en modernidad ante los países de nuestro entorno, como gustaban de decir la clase política y periodística. Para ello, entre otras cosas, se decide hacer, de prisa y corriendo y un poco a la trágala como habitualmente en nuestro país, un museo de arte contemporáneo, el actual Reina Sofía, e inaugurarlo con un ceremonial que asombrase (¡y vaya si asombró!) a ese antes citado entorno presuntamente validador.

Con este motivo se decide solicitar obra para una magna exposición a lo más granado de la modernidad pictórica y escultórica, tanto nacional como internacional. Así se hizo con nombres como Georg Baselitz, que por cierto el día antes de la inauguración se marchó de Madrid indignado por lo que él consideraba un trato inadecuado, Eduardo Chillida, Twombly, Antonio Saura, Antoni Tápies o Richard Serra, todos ellos artistas a los que conoces sobradamente.

Este último respondió con una de sus habituales obras monumentales que tituló Equal–Parallel: Guernica–Bengasi. Fíjate si sería monumental que pesaba ¡treinta y ocho toneladas! (sí, lees bien), y para introducirla en el museo hubo que derribar parte de su recién rehabilitada fachada. Acabada la exposición la obra fue almacenada, y como no era posible hacerlo en el propio museo se encargó el asunto a empresas externas especializadas, acorde con lo que a posteriori se instauraría como tendencia de externalización de los trabajos de la administración. Cuando años después se la quiso volver a exponer, la pieza había desaparecido, y en 2006, es decir transcurridos veinte años, este hecho tuvo que ser admitido públicamente por el museo.

¡Veinte años después! se reconoce que no se tenía ni idea de qué había pasado con una pieza de, te recuerdo, treinta y ocho toneladas, lo que hace que no sea fácil que pase desapercibida, y por la que se habían pagado, y creo que este dato también es significativo, treinta y seis millones de las antiguas pesetas de dinero público.

Hasta aquí los hechos, con alguna cuestión más que va saliendo a lo largo del relato.

¿Qué hay acerca de la obra literaria que origina esos hechos, y de la que estamos hablando?

Como te decía no es fácil adscribirla a un género concreto pues transciende los cánones habituales creando una estructura muy original. Obra coral en cuanto que multitud de personajes implicados van apareciendo en sus páginas relatando la visión de su participación en la historia. El autor organiza estas apariciones de forma muy abierta, asimétrica, con desigual duración de los epígrafes, lo que hace a la obra muy dinámica y con gran agilidad, proporcionando un continuo interés en su lectura.

Además está escrita con una prosa muy elegante que va concediendo a cada uno de esos personajes un tono muy adecuado a su personalidad y estatus social. Así por ejemplo Philip Glass , que define a si mismo como compositor contemporáneo que basa su música en estructuras repetitivas, en su discurso reitera la conjunción «y» de un modo notable, confiriéndole un ritmo muy musical y acorde con su estilo. Con todo ello el autor acaba recreando un magnífico retablo de una sociedad que, en muchas ocasiones, genera negativo asombro, al punto de que raya también el género de la novela picaresca, eso sí, en la posmodernidad.

Llegados a la última página  de la obra no sabemos como fue la verdadera historia de la desaparición y cuanto hay de cierto o de inventado en ella, pero ¿eso importa?.

Al fin y al cabo, cada persona narra una historia de una manera, y esa historia debe ser cautivadora y espontánea. Si no es cautivadora y convincente, entonces no tiene valor (Radu Lupu)

¿Y qué hay del autor? He de confesar que, en mi enciclopédica ignorancia, lo desconocía totalmente, por lo que, a día de hoy, aparte de reconocerlo como un magnífico autor en cuya obra creo que merece profundizarse, lo único que sé de él es lo que cualquier persona con un mínimo interés puede obtener en la solapa de la publicación y en Wikipedia o similares.

Licenciado en Filosofía, trabaja en el campo del periodismo y la comunicación. Fue corresponsal del periódico La Región y después jefe de prensa de la Secretaría General de Emigración hasta 2008. Trabajó en la Cadena SER, en la revista Jot Down, y en El Progreso.

Participante en diferentes publicaciones colectivas, obtuvo con su primera novela el VI Premio Nicomedes Pastor Díaz. Sus libros abundan en la metaliteratura y en la derrota. Desde 2020 es miembro de la sección de Pensamiento del Consejo de la Cultura Gallega. En 2013 publica El váter de Onetti en castellano, al no encontrar editores que quisieran publicarlo en gallego, idioma en el que estaba escrito originalmente. En 2018 publica su primera gran novela, Salvaje Oeste, que ficciona el poder en la España del Siglo XXI. En 2020 Rewind, a pesar de las dudas de sus editores con respecto al título. Otros de sus títulos son Libros peligrosos o Mientras haya bares.

Entre sus distinciones cabe destacar: Ganador del VI Certamen de relatos Francisco Fernández del Riego, del III concurso de Narrativa Erótica La Máquina de Vapor, del IV Premio Pastor Díaz de Novela, por La autopsia de la novela, del Premio Modesto R. Figueiredo en el 2009, por Era él, finalista del Premio de novela corta Manuel Lueiro Rey en el 2010, por La pregunta perfecta, ganador del Premio Lueiro Rey en el 2012, por Fin de poema, o del Certamen Manuel Murguía en el 2013, por Consanguíneo.

De sus muchos artículos periodísticos en los más sonados medios nacionales destaco por divertido uno muy reciente cuyo enlace dejo aquí.

Por último, por si fuera poco el interés que despierta la historia en sí misma y la alta calidad de esta obra, denominémosla por fin como lo hace su editorial como novela no ficción, a partir de la segunda parte introduce otros niveles más allá del relato de las vicisitudes de la escultura. Uno más que interesante es la sempiterna controvesia sobre la naturaleza y aledaños del arte contemporáneo. Incluso algún artista consagrado, como José Manuel Bouzas llega a calificar la obra Serra como cachivache.

También, y a mayor abundamiento, tanto las seis intervenciones de Richard Serra como la de otros muchos artistas, críticos, gestores de arte, o de otras personas que de un modo u otro trabajaron con el norteamericano en la génesis de su obra, acaban convirtiendo el libro en algo que podría remedar un catálogo razonado del escultor.

Bien sabes, amigo A., que cuando una obra me gusta, y en mi poco entender la considero de calidad, hago de su consejo un acto de amistad. Pues bien, esta es una de ellas. Estoy seguro que la disfrutarás.

P.D.: Como sé que eres amigo de los maridajes y las sinestesias, en este caso la obra tiene que acompañarse con música de Philip Glass. Aquí te dejo un enlace. El vino, obviamente de California, ¿un Opus One, del Valle de Napa?

Madrid: Vivian Suter.

16 Jul

Madrid ha tenido la suerte de heredar la capitalidad de uno de los mayores imperios que en la historia han sido. Quizá por ello, quizá por otras varias razones el caso es que es una ciudad dinámica y vital desde mucho antes incluso de la aparición de payasadas oficiales. Gran número de visitantes de muchos países acuden atraídos por ese dinamismo. Esto hace que también se refleje en su vida cultural.

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En dicho ámbito, y en lo que a la plástica se refiere convendremos que hoy en día es difícil encontrar algo que nos sorprenda o que pueda considerarse original. Pues bien, lo hemos encontrado en Madrid, y más concretamente en la exposición de la obra de Vivían Suter, organizada por el Museo Reina Sofía en su espacio del bello Palacio de Velázquez del Retiro.

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Vivían Suter es una artista nacida en Buenos Aires en 1949, pero considerada de origen suizo por haber desarrollado su trayectoria en Basilea, para establecer posteriormente su residencia en plena selva guatemalteca, lo que ha tenido una profunda influencia en las características de su obra, al punto que tras pasar una serie de tormentas tropicales que llegaron a trastocar muchos de sus lienzos, llega a considerar a la naturaleza como coautora de su obra.

Y a partir de aquí comienza la originalidad citada del hecho expositivo. Los telas, la mayoría de gran y muy gran formato, conservando cada una su autonomía cuelgan sin bastidor ninguno, conformando una gran selva por la que el visitante puede pasear entre ellas, con una relación con el espacio arquitectónico que hace de continente, pero remitiendo indudablemente al entorno en que fueron creadas.

Las muy variadas formas abstractas y la amplísima gama cromática, casi siempre muy luminosa, conforman un todo armonioso y alegre. En definitiva, bello y en el que se percibe un gran trabajo de experimentación, incluido también el ámbito textural.

En definitiva, una experiencia sensorial que no se debe obviar, y que haciéndolo con mente amplia y sin prejuicios nos regalará un gran goce estético y la satisfacción de la originalidad.

Y si quiere finalizar todo ello con un regalo de la vida, tómese un bocadillo de calamares y una caña muy fría a la sombra de uno de los varios chiringuitos (de los de verdad, no los funestos de los que cada día nos enteramos) al borde del Estanque Grande del Retiro y agradézcaselo al destino.

Después, actúe en consecuencia.

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Parada discrecional: Fontiveros

24 Jun

La casualidad, como siempre, me ha llevado a descubrir uno de los intelectuales más brillantes y lúcidos del panorama actual. Me refiero a Rafael Narbona.

Este prolífico autor escribe tan maravillosamente de filosofía de la literatura como nos emociona con sus relatos cortos, comparte sus ideas sobre la trascendencia o realiza atinadas y esclarecedoras críticas sobre libros de materias tan abstrusas como la economía, motivo por el que lo conocí.

Desde entonces Narbona es para mí, y perdóneme la aparentemente noña pedantería, un faro que me guía en el proceloso océano de las lecturas cual eficaz antídoto frente a mi ignorancia. Afortunada consecuencia de tal navegación es el conocimiento de José Jiménez Lozano, y más concretamente de una de sus múltiples obras, la titulada El Mudejarillo, biografía poetizada de Fray Juan De la Cruz, y uno de los textos más bellos que he leído desde hace mucho tiempo.

Así este feliz hilo de Ariadna me llevó hasta Fontiveros, pueblecito de la provincia de Ávila, cercano a Arévalo y Madrigal, tierra llana en la Comarca de La Moraña, suave y reposada, con lejanos horizontes. Aquí nació el Santo, tal día como hoy pero de 1542 . Población de escasos 800 habitantes, de bella aunque, como casi todas, incierta toponimia, de la que se tiene conocimiento ya en el siglo XIII, cuando es una aldea de importancia económica y demográfica, con asentamiento de familias nobles e hidalgos.

Su historia, con rastros celtíberos y romanos, se consolida al tiempo de la conquista de Toledo por los cristianos, y entra en el ámbito de la leyenda con el reto de Blasco Jimeno al Rey Alfonso I de Aragón, de tan triste recuerdo para los castellanos, leyenda que quedó inmortalizada para el recuerdo en la denominada Cruz del Reto.

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Más había de ser el antes referido nacimiento del Santo lo que le ponga en el camino del conocimiento universal.

Como casi todos los pueblos de Castilla (y, por supuesto, también de otras muchas regiones), a pesar de su pequeño tamaño encierra un rico patrimonio cultural, memoria de vida. De ello destacaremos solo algunos ejemplos, que la brevedad de estas paradas no da para ser exhaustivos, y la ignorancia del plumilla mucho menos.

Previamente he de señalar que cuando llegamos al pueblo tales monumentos estaban todos cerrados, así como el Espacio San Juan de la Cruz ‘Llama de amor viva’, que traíamos como referencia de posada, y biblioteca especializada. A punto estuvo de irse al traste toda la ilusión con que abordábamos esta jornada. Afortunadamente una amable señorita funcionaria del Ayuntamiento realizó el trámite de consultar con el Sr. Cura Párroco de la localidad, y este, personalmente, con suma amabilidad y paciencia nos mostró los citados lugares. Vaya para ambos nuestro más profundo agradecimiento por sus, además, desinteresadas atenciones.

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Iglesia de San Cipriano. Bien de Interés Cultural y Patrimonio histórico de España, comenzada a construir en el siglo XII, de estilo mudejar, inspirado en la Catedral Vieja de Salamanca y en la Colegiata de Toro, con diversos avatares de ampliaciones, destrucciones y reconstrucciones hasta el siglo XVIII, y en los que participaron figuras señaladas como Lucas Giraldo o Rodrígo Gil de Ontañón entre otros.

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En esta iglesia se encuentra la Capilla de la Pila Bautismal donde fue bautizado San Juan de La Cruz, así como también las tumbas de su hermano Luis y su padre Gonzalo, cuya muerte motivó la necesidad familiar de irse de la Villa en busca de una mejor vida.

Destaca también la existencia de un precioso órgano del siglo XVIII, que en la actualidad motiva una importante participación en el Festival de Órgano de Ávila, y con el que se realizaron significativas grabaciones.

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Otros puntos de interés de la iglesia, cuyas descripciones o historias no detallamos en aras a la brevedad, son el Altar Mayor, las capillas de los Pamo, Real de San Juan Bautista, San Antonio, del Cristo de la Piedad, de Santa María de los Mártires o Capilla Museo, o la Sacristía, pero que reiteran la riqueza patrimonial antes citada de nuestros pueblos.

Iglesia/casa natal de San Juan de la Cruz. Convento construido en el lugar donde estaba la casa natal de San Juan de la Cruz e inaugurado en 1723, con altar mayor obra de Gregorio Fernández.

También, al paso, pudimos apreciar la Escultura de San Juan de la Cruz, de bronce sobre pedestal de granito, obra del escultor Ricardo Font. Se erigió en 1928 por suscripción popular a propuesta del Sindicato Católico de la Villa con motivo del II Centenario de la Canonización del Santo (1726-1926). Aparecen el águila de San Juan y el escudo de la Orden del Carmelo.

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En las calles de Fontiveros también aparecen ejemplos de arquitectura popular y casonas blasonadas como la de Diego de Arriaga, la Casa solariega de los Cubas Maldonado, La Torre del que fuera el Palacio de Don Jerónimo Gómez de Sandoval , Marqués de Fontiveros, la Torre del palacio de la familia del Obispo de Jaén Alfonso Suárez, la Ermita de Santa Ana o “de la Bandera”, la fachada de la Casa Parroquial , la Ermita de Nuestra Señora de los Mártires, El Torreón en la Plaza de las “Cuatro Calles” , que por la brevedad de la parada no visitamos.

Afortunadas circunstancias las narradas que proporcionaron al viajero esta feliz estancia en Fontiveros, fue adobada con un exquisito menú y un buen caldo de la tierra en la cercana localidad de Medina del Campo, que en otra ocasión ha de se también motivo de comentario.

Como dice el maestro Serrat …de vez en cuando la vida nos besa en la boca…y toma café conmigo…Está fue una de esas ocasiones, se lo agradezco.

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Parada discrecional: Tordesillas.

5 May

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Hoy en día (al menos el hoy anterior al coronavirus) todo tiene que ser rápido. Los objetivos han de conseguirse rápido, mejor de inmediato, y por supuesto gratis y sin esfuerzo.

Si de viajes se trata, el asunto es llegar rápido al destino, si se trata de turismo, ver, si se trata de negocios, gestionar, todo ello rápido y volver.

Nada de esas zarandajas de se hace camino al andar, viajes a Ítaca, disfrutar del paisaje o demás. Rápido, rápido, rápido.

Ayer, cuando las enfermedades tenía convalecencia (tendrá el virus que recordárnoslo?), se viajaba en coches de línea que transitaban por caminos locales, entrando en todos los pueblos del trayecto, y había en estos unos puntos, las paradas discrecionales, donde los autobuses se detenían si así lo indicaban los pasajeros, y se esperaba por otros viajeros, constituyendo todos ellos una amistosa comunidad.

Pues propongo para el mañana retornar a esas paradas discrecionales. Nada nos cuesta, sea el que sea el objeto del viaje, programar un retorno más sosegado, parando a disfrutar de las bellezas que nos brinde alguna estación intermedia, gastronomía incluida.

Yo lo hice hoy en Tordesillas, localidad castellana que ostenta el título de «Muy ilustre, antigua, coronada, leal y nobilísima villa».

Muchos momentos transcendentes para nuestra historia tuvieron lugar en ella, lo que le haría merecedora de una visita más prolongada, pero mi modesto objetivo me sirvió para recordar su famoso Tratado, recordar la trágica estancia de Juana I de Castilla, y su participación en el Levantamiento de los Comuneros , y sobre todo, disfrutar de la contemplación de la belleza que encierra el Real Monasterio de Santa Clara, uno de los mejores ejemplares mudares de Castilla y León, con sus aportaciones posteriores.

Mucho más tiempo que tuviera me permitiría contemplar otras numerosas maravillas que encierra la villa, y tener más motivos para la reflexión, pero como alto en el camino que sosiega fue suficiente. Creo que será algo que practicaré en el poco futuro que me pueda quedar, y trataré de convertirlo en costumbre.

Os lo recomiendo.

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Plá(s)ticas (IV): El d(D)escubrimiento

8 Oct

Si tuviéramos que poner música a las anteriores pláticas sobre plástica ya publicadas en este cuaderno probablemente tendría predominar el contrapunto. En la presente ocasión procuraré que sea concertante, basada en un acorde que es el descubrimiento. Trataré de explicarme.

Como tantas veces en la vida el descubrimiento tiene su origen en la casualidad, motor importante para lo bueno y para lo malo. Y aunque también hemos de admitir que en las más de las ocasiones los descubrimientos son resultado de la tenacidad y el esfuerzo («que la inspiración te encuentre trabajando»), en el caso que nos ocupa es fruto del  imprevisto.

No es ningún secreto que el pasado (?) confinamiento desarboló en gran medida el mundo del arte y la cultura, entre otros muchos, al tiempo que fomentaba la búsqueda de soluciones más o menos imaginativas, como pudieran ser las exposiciones o subastas en linea. Pues bien, fue en una de estas últimas, la organizada por la interesante Galería The 451Shop, donde topé con una autora que hasta entonces nutría las filas de mi enciclopédica ignorancia.

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Sin título.- Encarna Díaz Velasco Técnica mixta, encáustica sobre cartón (2009)

Encarna Díaz entre otras virtudes artísticas, que luego trataremos de repasar, tiene la personal de la generosidad, como ya demostraba el hecho de su participación en la exposición citada. Así que desde nuestra primera conversación telefónica me ofreció la posibilidad de conocer su preciosa casa-estudio, donde, en compañía de su esposo, con total gratuidad y sin limitaciones de tiempo, nos mostró muy diversas facetas de su obra artística, estilos y épocas.

Y fue en este entrañable escenario donde tuve la fortuna de descubrir una gran artista en la plena extensión del término. La manifestación artística de Encarna es muy amplia, valiéndose de lenguajes expresivos muy diversos (pintura, escultura, fotografía, grabado, cerámica, instalaciones, poesía, libros de autor, art joyas) siempre con una orientación experimental, que le hace tener una sugerente evolución, en ocasiones anticipándose  a los tiempos y las circunstancias, y con un fuerte compromiso social y ambiental, basado en convicciones sólidas y muy elaboradas.

De muy sólida formación es Doctora en Historia del Arte por la Universidad de Oviedo, y Doctorado Internacional, con una Tesis Doctoral sobre Fernando Castro Pacheco, punto de inicio para su relación con El Descubrimiento, que se continuaría con diversas estancias y exposiciones en México, así como investigaciones sobre la cultura maya y establecimiento de relaciones que incrementaría su proyección internacional. También es digno de mención el esfuerzo dedicado a la formación complementaria, que llega hasta fechas muy actuales y en todas las facetas de sus múltiples lenguajes, poniendo de manifiesto ese espíritu de búsqueda que mantiene muy vivo nuestra autora.

Su curriculum expositivo es muy amplio y temprano, pues comienza en 1977, aunque este aspecto siempre está subordinado a la integridad de sus fines artísticos y de su trayectoria, no realizando concesiones en estos por una línea en aquel. Lo mismo ocurre con sus premios, menciones o selecciones. Su obra permanente ocupa museos y colecciones particulares de España e internacionales.

Iniciada en la figuración y las técnicas clásicas como la acuarela, rápidamente se introduce en el abstracto y las técnica mixtas, donde su inspiración se mueve como pez en el agua, pero sin renunciar a las primeras. Al respecto, destacan sus Cajas con luz de 2007. Esta evolución experimentadora adquiere mayor interés si se contempla en el contexto del entorno donde vive, extremadamente clásico y conservador, cuya superación da idea de la libertad creadora de la autora, que obtiene su inspiración de hechos sorprendentemente cotidianos, iluminados por una fuerza interior que hace que sus obras vayan adquiriendo vida propia en su desarrollo. Sorprende a este respecto su serie de Máscaras., reflexión sicológica sobre la naturaleza humana realizada pocas semanas antes del comienzo del confinamiento, que acabó mostrándose como si de una premonición se tratase.

 

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Encarna Díaz.- Máscaras

 

En la actualidad destaca su interés por la encáustica, técnica clásica al punto que ya está mencionada por Plinio el Viejo y detallada por Vitruvio, en los tiempos actuales ha ganado gran preponderancia por su versatilidad, tanto por los materiales empleados (pigmentos, ceras) como por la sutilidad de su su manejo (fuego).

Además, como decíamos más arriba, y nos muestra en una, como no podía ser de otra manera, preciosa y detallada página web, no debemos olvidar sus diversos instrumentos expresivos: pintura, escultura, fotografía, grabado, cerámica, instalaciones, poesía, libros de autor, art joyas, que la hacen portadora de un lenguaje muy holístico en el mundo del arte.

En definitiva, solidez conceptual, expresividad evolutiva y capacidad de experimentación en lo formal y en los lenguajes y materiales conforman a una auténtica artista que afortunadamente descubrí recientemente.

El otro descubrimiento, dialogante con la obra de Encarna, poco o nada tiene que ver con El Descubrimientopero también vino determinado  por la casualidad y lo imprevisto. Fue durante un paseo al azar por una de las muchas y bellas ciudades  de la Provenza, en concreto Saint-Remy, y en el que por deseo de mi esposa visitamos su mercadillo.

 

FRANCIA

Jules Cotte: Peinture à l’huile et fragments minéraux sur papier.

 

Sobre su autor,  Jules Cotte, nada puedo decir personalmente, por lo dicho en el párrafo anterior, y solo me cabe sugerir al lector a acudir a su página web, como hice yo, en la que uno puede intuir algunos detalles de su técnica.

Algunos aspectos se observan que parece compartir con Encarna. Procesos muy elaborados, soportes diversos, interés por la intervención de la naturaleza, técnica muy matérica, gran utilización de pigmentos y de materiales extraños añadidos, entre ellos tierra y minerales, y utilización del fuego, el agua y la exposición al aire. No son los cuatro elementos presocráticos que explican la naturaleza, dando a todo ello una contextualización filosófica?

Como quiera que sea, ahí están los dos, dialogando en la pared de mi salón, mientras los tres disfrutamos de buena música, en este caso la Obertura de las criaturas de Prometeode Beethoven, por aquello del fuego, y brindamos por la vida y la belleza con un buen vino, en este caso por supuesto un buen rosé de La Provenza. Quizá un Chateau Romassan de Domaines Ott?.

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Con mi hija en el Campoamor (XIII): Pero…, que hecho yo para merecer esto?

14 Ene

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En 1892 Ruggero Leoncavallo estrena la ópera titulada Pagliacci (Payasos), uniéndose así a Cavalleria rusticana, de Pietro Mascagni, estrenada dos años antes, y formando ambas la enseña principal de un nuevo capítulo de la historia de la ópera, el verismo. Tan unidas están ambas obras en el imaginario colectivo que en no pocas ocasiones se representan juntas, aprovechando además la menor duración de lo habitual de ambas.

Curiosa historia esta del verismo que no llega a alcanzar el éxito de otros estilos, al punto que algunos libros de referencia en el mundo de la ópera apenas lo citan, ni a los autores referidos, más que en un par de ocasiones y muy tangencialmente, sin entrar en ningún análisis ni contextualización histórica. (1)

Aunque con menor implantación artística que su correlativo literario, el naturalismo de Zola, Galdós o Dostoievski, el verismo aporta a la ópera dos factores, sin duda novedosos, que nos interesa considerar. En primer lugar una visión brutal de lo cotidiano, que se habría de transmitir a un realismo en decorados y vestuarios, que rompería con el romanticismo belcantista.

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Por otra parte, la aparición  de los cantantes-actores que además de una voz hermosa con la que interpretar melodías delicadas, eran también capaces de representar sus personajes expresando todos sus crudos matices. (2)

En el caso que nos ocupa, Pagliacci es una obra de altísimo voltaje dramático, acrecentado por el hecho de estar basada en un hecho real, o al menos eso cuenta la tradición, que si non e vero, e ven trovato. Pues bien, la reciente versión ofrecida en nuestra LXII temporada en el Teatro Campoamor, con la dirección escénica de Guy Joosten, en modo alguno alcanzó tan tensión dramática, al punto que en algunos momentos era difícil discernir si se trataba de uno de los iconos del verismo o de una ópera bufa.

Por otra parte el diseño del escenario no tuvo nada de original, por más que lo pareciese, pues la idea del teatro dentro del teatro figura ya de antiguo en alguno de los citados textos de referencia. (3)

La representación se salvó por la bella música de la obra, las voces de los cantantes (algunos, no actores), tal que si se cerraban los ojos permitían disfrutar, y el buen hacer de nuestra OSPA, y de su director musical en este caso, Will Hamburg.

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Pero, ay!, lo peor estaba por llegar. Aquellos que ingenuamente no hicimos caso de las advertencias de nuestros amigos, según los cuales sería mejor abandonar la sesión al descanso, hubimos de sufrir las consecuencias.

Alexander von Zemlinsky, autor de obra tan interesante como su biografía, actualmente en auge, nos ofrece sin embargo en esta ocasión Eine florentinische tragödie (Una tragedia florentina), que, a pesar de tener un libreto proveniente de la traducción literal de la obra de Oscar Wilde, se convierte en una historia plúmbea, tópica y previsible, con una música monótona hasta la saciedad.

Por otra parte, la puesta en escena reitera los errores de la obra anterior y profundiza en  su absoluta falta de originalidad.

En fin, bien está conocer de todo, incluso aquello que no nos gusta, pero también sería interesante conocer óperas de mayor actualidad, con historias menos tópicas. Respecto a las puestas en escena, aún admitiendo las grandes limitaciones en cuanto a escenario de nuestro primer coliseo lírico, no está demás que los directores escénicos recordasen las facilidades que la tecnología moderna aportan, como está temporada pudimos disfrutar con la representación de Rinaldo.

Por cierto, el  catálogo que en esta ocasión nos brinda la Fundación Ópera de Oviedo, como siempre excelentemente editado, nos brinda, además de las estupendas firmas que componen los diversos artículos del mismo, una muy amplia muestra de la obra pictórica de Edward Hopper, muy de agradecer.

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(1) Daniel Snowman.- La ópera. Una historia social. Col. El Ojo del Tiempo. Ed. Siruela, Madrid (2012)

(2) Laia Falcón.- La ópera. Voz, emoción y personaje. Col. Alianza Música. Alianza Editorial, Madrid (2014)

(3) Roger Alier.- Guía universal de la ópera. Ma non trompo. Ed. Robinbook.  Barcelona (2000)

Una vez más

16 Ago

En una entrada anterior (creo que fue hace dos años) daba gracias a la bendita rutina que me permitía hacer mi anual excursión a Gijón para visitar en la Feria Internacional de Muestras de Asturias el stand de la Corporación Masaveu, que año tras año nos regala con la exhibición de una minúscula, pero siempre significativa, muestra de su extraordinaria colección artística. También aprovecho la ocasión para visitar algún otro stand, siempre en pequeño número y muy concretos.

En la presente ocasión, y por razones  que no viene al caso reiterar, mi agradecimiento era mayor.

Este año el leiv motiv de la muestra pictórica fueron las naturalezas muertasbodegones. Es este un género pictórico que no es santo de mi devoción, aunque no por ello dejo de reconocer su gran mérito técnico, su valor estético y hasta su interés discursivo.

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Bodegón de caza, hortalizas y frutas, firmado «Ju. Sanchez cotan f./1602», óleo sobre lienzo, 69 x 89 cm, Madrid, Museo del Prado.

Los cuadros expuestos en esta ocasión eran Bodegón con objetos de orfebrería (1624), de Juan Bautista de Espinosa, Bodegón con cesto de frutas y jarra (1643-49), de Juan de Zurbarán, Bodegón con flores y dulces (1660), de Pedro de Camprobín, Florero con insectos (1654)  y Naturaleza muerte con flores y frutas (1668), ambos de Juan de Arellano,   Jarrón con rosas, claveles y tulipán (1670-80), de Gabriel de la Corte, Bodegón con perdices (1773) y Naturaleza muerta con frutas y cacharros (1770), ambos de Luis Meléndez.

La muestra se complementa, entre otros aspectos, con un catálogo sencillo pero elegantemente editado, en la que D. Ángel Aterido hace un comentario sobre el género bodegón, a modo de encuadre general, y posteriormente un análisis más detallado de los cuadros arriba mencionados.

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Naturaleza muerta con objetos de orfebrería, 1624, óleo sobre lienzo. Colección Masaveu.

Como antes quedó expresado, no es este género santo de mi devoción, por lo que en esta ocasión no entro en más consideraciones sobre los sentimientos que me inspiró la muestra, y remito a mis pacientes lectores a la amplísima bibliografía que de fácil acceso (y cual hoy no lo es?) se puede disponer, tanto a nivel de simple aficionado (como un servidor) como de más iniciado, y a la que evidentemente no iba a aportar nada nuevo.

En esta ocasión, la sorpresa, y emocionante por cierto, me esperaba en el stand del Banco Sabadell Herrero, con una exposición titulada Asturias, tradición minera, que nos recibe con el eslogan de Asturias, verde de montes y negra de minerales, enfatizando el poema de Pedro Garfias, musicado por Victor Manuel.

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La citada exposición mostraba, con gran solidez y coherencia en el hilo discursivo, un detallado análisis de la relación de Asturias con la minería, no solo la del carbón sino también con la de otros minerales, entre los que destaca el oro.

Y lo hace minuciosamente desde una visión muy poliédrica en la que no se olvida el análisis histórico, laboral, medio ambiental y social. A este respecto es de mencionar la repercusión de las reivindicaciones de sus trabajadores en el entorno del resto de la ciudadanía de la región y del estado, destacando, y esto para mí fue lo más emocionante, la lucha  de las mujeres, que, desde un papel secundario, ignoradas e incluso despreciadas (hasta por los reivindicativos sindicatos), lucharon por igualarse al hombre, incluso en este difícil trabajo, con una tenacidad ejemplar y digna de admiración, hasta conseguir vencer todo tipo de trabas y dificultades, y demostrar una vez más algo que solo los inseguros o incapaces se niegan a admitir: la igualdad en libertad.

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Y esta exposición, plena de contenido, es también muy grata desde un punto estético, con una disposición fácil para el espectador, utilizando todos los recursos que la actualidad audio-visual aporta (paneles, objetos, documentos, proyecciones de video, y hasta zona lúdica), poniendo al alcance del visitante una visión ilustrativa y profunda de esta realidad que todos los asturianos llevamos en nuestra seña de identidad.

Solo cabe felicitar muy sinceramente a los organizadores de la misma por su estupenda realización, y si no es mucho pedir y fuese posible técnicamente, rogar al Banco Sabadell Herrero que permita a la exposición itinerar por otros espacios, para un mayor conocimiento de la misma y revisión por los que quedamos entusiasmados con ella.

Querrán los cielos generosos permitirme también el año que viene me sorprenda con otra exposición de esta categoría?. Y será mucho soñar si me topo con algo similar respecto a otra seña de identidad asturiana como es la actividad pesquera?

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P.D. aclaratoria: Las dos primeras imágenes son obtenidas en Wikipedia, y las tres siguiente son de un servidor, obtenidas en la citada exposición de la minería. Perdónese la mala calidad de estas, solo atribuible a este insensato aficionado a todo, conocedor de nada.

Roma, aperta… o tostón?

10 Feb

Como no quiero parecer conspiranoico (sic) no preguntaré qué hay detrás de, si no simplemente por qué este súbito y masivo ensalzamiento de la reciente película mejicana titulada Roma, hasta el punto de ganar el León de Oro del último festival de Venecia, mejor película para la Asociation New York Film Critics On Line y estar nominada por la Academia de Hollywood a diez categorías, incluida la de mejor película.

A mí es una de las películas que menos me gustó de las que ví en mucho tiempo. Ahora bien, si un plantel de sesudos expertos cinéfilos, así como una gran mayoría de las personas que hasta ahora la vieron, aseguran que es una buena película debe ser probable que el equivocado sea yo.

Más, lo anterior no es razón suficiente para que mi gusto cambie, aunque estoy dispuesto a aceptar razones en contra del mismo, por lo que trataré de justificarlo.

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Independientemente del derecho que el Sr. Cuarón crea tener para contarnos sus recuerdos, y de las explicaciones psicoanalíticas que justifiquen el avión cruzando el cielo lejano en la primera y en la última secuencia de la película, y todo lo cool que hoy pueda ser la estética del blanco y negro, el resultado cinematográfico me parece anticuado, obsoleto, previsible, ñoño y de una lentitud que conduce directamente al aburrimiento.

Las películas rodadas en exteriores, con toma directa de escenas de la calle y en blanco y negro son más antiguas que la pana, hoy en día no presentan ninguna novedad técnica ni estilística cinematográfica. La citada no se acerca ni de lejos a la otra Roma, la de la città aperta, ni mucho menos, por ejemplo, a Million Dolar Baby (genialidad de iluminación) o a tantas y tantas otras que se podían citar con similar estilo narrativo.

El neorrealismo surgió en varios países de Europa, sobre todo Italia, e inclusive en España, aunque aquí mucho menos por las causas de todos conocidas, ya a partir de las Segunda Guerra Mundial, es decir, a comienzos de la segunda mitad del siglo pasado.

También en Iberoamérica, como afirma Alberto García Ferrer en su más que interesante artículo El cine iberoamericano: El gesto y el acentoEn su nacimiento iberoamericano se produjo cine, en gran medida en exteriores y con un notable impulso regional, que no necesitó de las capitales, mientras que la sonoridad de la palabra permaneció ausente. La llegada del sonido significó un doble viaje: hacia el interior de los grandes estudios y hacia el corazón de las metrópolis. Treinta años después, con los formatos ligeros (el 16 mm, el súper 16 y el súper 8 mm), el cine iberoamericano conformó un segundo giro en el orden de sus esferas, acompañando la emergencia de los cines nacionales. Sólo dos décadas des- pués fue el vídeo el que incorporó nuevos actores, instaló miradas distintas, multiplicó escenarios, atravesó fronteras estéticas, cuestionó y quebrantó normas y recuperó parcelas ignoradas de la realidad para nuestra cultura.

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Es decir, nada nuevo técnicamente tampoco para Iberoamérica.

Pero bueno, si no la forma, tal vez podríamos salvar el contenido?. Pues a mi modo de ver, tampoco. El Sr. Cuarón es muy libre de bucear en su memoria y exponer sus recuerdos por las razones que estime más convenientes, pero que no piense que la película cumple alguna finalidad social o pretende visibilizar el papel de la mujer iberoamericana, en una sociedad machista y desigual, ni que en este sentido aporta ninguna novedad o lo consigue. Esto último ya está muy trabajado por muchos artistas desde hace años, y con superior impacto.

El acomodado barrio, la acomodada familia, y la tragedia de la violencia institucional que vemos de refilón, como expresión de la injusticia, la desigualdad y el machismo, al final de la película quedan exactamente igual, y sin que se cuestione ninguno de sus argumentos. Los señores siguen siendo los señores, y los criados siguen siendo los criados, por mucho que aparentemente se les integre a través de los espontáneos e inocentes sentimientos infantiles.

Si todos los acontecer que les van sucediendo a la familia y a la doncella protagonistas son previsibles desde el primer plano de las secuencias, el final conjuga, de forma reiterativa, lenta y prolongada, dicha previsibilidad con la ñoñería más absoluta.

El Sr. Cuarón está en su derecho, faltaría más, de rendir su más sentido homenaje en la forma que estime más oportuno a Liboria Libo Rodríguez, pero eso en modo alguno se transforma en una película de calidad, ni actual ni reivindicativa.

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No obstante, es muy probable que cuando algunos de mis pacientes lectores tengan la generosidad de leer estas lineas, tal producto haya recibido la bendición de la maquinaria hollywoodiense (sic) con el premio a la mejor película, y a varias categorías más.

Me alegro, que lo disfruten, …y sus razones tendrán, pero a mí que no me esperen para la próxima.

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Feriarte

26 Nov

Por séptimo  año consecutivo tuvo lugar, hace ya un mes,  Feriarteoviedo . Como su nombre sugiere, una feria de arte contemporáneo que patrocina la Fundación Municipal de Cultura del Ayuntamiento de Oviedo. y que se vehicula a través de la participación de diecisiete consolidadas galerías regionales y un sólido centro de formación como es la Escuela de Arte de Oviedo.

La circunstancia antes señalada de su séptima edición da idea de la consistencia del proyecto, en el que este año realmente se vio un incremento en la calidad de la obra expuesta. Por otra parte, no se limita la feria a la mera exposición y venta (o al menos, intento de venta) de dicha obra, sino que se complementa con una serie de actividades que también van creciendo en número y variedad, a las que asisten significativos ponentes invitados.

La guinda de la Feria la pone la concesión de una medalla de honor denominada «En recuerdo de Kely. 1960-2013», recuerdo que bien merecido tiene nuestra aclamada y añorada artista.

Este año tan interesante galardón recayó  en otro no menos interesante creador, Vicente Pastor, presentado por esa estupenda y entusiasta galería avilesa que es  Amaga, y con una obra reflejo de su personalidad de gran fuerza expresiva en la estética, tanto plástica como matérica. De este artista habíamos realizado una reseña en su día a la que remitimos al paciente lector. Otra referencia a su fuerza colórica la hacíamos recientemente. Es fácil, pues, observar que es un autor por el que tenemos una especial preferencia.

Pero no fue esa la única sorpresa agradable que esta galería nos presentó. Allí pudimos descubrir también a Encarnación Domingo

Artista de amplio y consolidado curriculum y obra, tanto expuesta como adjudicada , transita desde una figuración minimalista que va derivando hacia una abstracción con algunos  visos de geometricidad (sic), al tiempo que experimenta con texturas, relieves, buscando una cierta tridimensionalidad, y materiales, con los que busca contrastes lumínicos. Estoy seguro que este atrevimiento expresivo de la autora aún nos depara muy interesantes hallazgos. La seguiremos con interés.

 

Otro hallazgo, en este caso no nuevo para mí, fue Nuria Formentí , presentada por la Galería Arancha Osoro.  Su poética sensualidad nos sugiere referencias a lo acuático y a lo femenino como fuentes de vida. Su interpelación de formas, colores y textos le confieren una fuerza que confirma esa vitalidad.

A modo de curiosidad, compárese esta imagen, afortunada propiedad del autor de estas líneas, con la siguiente:

Esta es una secuencia de ADN que se encuentran en los genes que están involucrados en los modelos de desarrollo anatómico de los seres vivos, este en concreto de la Drosophila melanogaster

Podrían o no ser pintados por la misma mano?. Tienen o no relación con la razón última de la vida?.

Otro hallazgo fue sin duda la interpretación sinestésica de Andrés G. Torcida (lamento desconocer sus direcciones de las redes sociales, que supongo tendrá) y su Estructuras de la música, en el interesante stand de la Escuela de Arte de Oviedo.

Evidentemente otras muchas cosas se me quedan en el tintero, quizás tanto o más interesantes que las mencionadas, pero en esto del arte prima la subjetividad, y uno a estas alturas de su calendario no está dispuesto ya a renunciar a tal placer.

 

Un año más…

30 Ago

Bendita rutina.

Frases que cuando se emiten en sentido positivo van cargadas de alegrías y de buenos momentos que son un regalo del destino. Sé que desgraciadamente no siempre puede ser así, por eso son más de valorar y agradecer.

Pues bien, el caso es que un año más por estas fechas cumplo con mi rutina de visitar Gijón, y en concreto su Feria de Muestras.

La rutina incluye una comida previa y sosegada en el Parador Nacional «Molino Viejo». Nunca me defraudan ni su cocina ni, sobre todo, la extraordinaria amabilidad de su personal, que sirve para realzar aún más sus calidades gastronómicas y el encanto del entorno. Mi gratitud para ello/as.

Tras el café, la acostumbrada visita a la siempre interesante exposición del stand de la Fundación Masaveu.

Este año el trayecto se ve agradablemente alterado. El Gobierno del Principado de Asturias también dedica su pabellón a las artes plásticas. Principado de Asturias, Principado de Arte es su título, y tiene por objetivo dar visibilidad a los cinco equipamientos que conforman el pentágono del arte en nuestra Comunidad, a saber el Museo de Bellas Artes de Asturias, el Museo Barjola, la Sala Borrón, la Laboral Centro de Arte y Creación Industrial, y el Centro Cultural Internacional Oscar Niemeyer. De entre todos ellos acoge una selección de obras de veinte artistas asturianos y contemporáneos.

Foto del autor: Ricardo Monjardín.- «Te quiero (Árbol P)» (1987).

Creo que es obligado citarlos: Pablo Armesto / Juan Barjola / Carlos Coronas / Paco Fernández / Francisco Fresno / Ángel Guache / Ramón Isidoro / Kely / Eugenio López / Manuel Rey-Fueyo / Ricardo Monjardín / Hugo O’Donell / Vicente Pastor / María Peña / Guillermo Simón / Gabriel Truán / Javier Riera / Avelino Sala / María Castellanos y Alberto Valverde.

No están todos los que son, pero sí que son todos los que están. Tenemos la serena elegancia totémica de Ricardo  Monjardín, la fuerza colórica (sic) de Vicente Pastor, el atrevimiento tecnológico de Carlos Cadenas o la sutil delicadeza de Kely, por citar solo alguno de los ejemplos. Para verlos a todos, acudir a la página web de la exposición , de excelente factura, que además enlaza con algunas de las de los propios artistas.

No cabe duda de que el espectador tendrá materia de reflexión y de deleite, cada uno según sus gustos, en el ámbito del arte contemporáneo.

Foto del autor: Vicente Pastor: «Bañista» (1984)

Feliz iniciativa a la que deseamos continuidad en mayor o menor medida, y si pudiera ser, combinada con otros aspectos artísticos, no solo plásticos, de nuestra Comunidad (literatura, música, arquitectura, etc.).

Por poner algún «pero», que parece que si no, uno no queda conforme, echamos de menos un «folletito» en soporte papel, como ahora se dice, un poco más amplio, con alguna mínima reseña sobre los autores y la obra.

Foto del autor: Kely: «Sin título» (2007)

Y a continuación a la que sí está felizmente consolidada, la de la Corporación Masaveu, en este caso ya en su vigésima edición, y esta sí que con un más que aceptable folleto, con dirección artística de Luis Antonio Suárez Fernández.

Lleva por título Nuestra gente, y según el contenido del citado folleto pretende ser …un reconocimiento a la aportación de miles de trabajadores que han pasado por la empresa desde hace 177 años creando valor y prestigio…, y que como dice otro párrafo del citado texto …ha(n) sabido estar a la altura de las circunstancias con total responsabilidad…

Me gustaría estar seguro de que este homenaje verbal, que se ve ilustrado por un buen número de fotografías y exposición de objetos laborales, siempre corrió paralelo a unas justas condiciones laborales y salariales. No soy quien ni tengo datos para analizar este aspecto.

En lo que a la exposición pictórica se refiere, y continuando con esa línea discursiva, la obras expuestas abordan el tema de las actividades laborales cotidianas desde el punto de vista del realismo social que parte de la segunda mitad del siglo XIX, y por artistas que si no los 6 son asturianos, sí tienen al menos una gran relación sentimental con Asturias. También no es menos cierto que 4 de ellos presentan una gran carga nostálgica, cuando no crítica en la obra expuesta.

En relación con lo anterior, señalar que en un folleto cuidado como este, y como son siempre todos los de las exposiciones de este pabellón, en este caso se cuela un gazapo. Juan Martínez Abades no nació, ni tan siquiera le nacieron en Madrid. Es asturiano de cuna, y de sentimiento, nacido en Gijón, ciudad en la que muy merecidamente tiene una calle en su recuerdo, por cierto no lejos del Recinto Ferial donde se realiza la exposición a la que nos estamos refiriendo, y al Parador «Molino Viejo», lugar de mi solaz previo.

Tomado del catálogo de la exposición.

El cuadro presentado de este autor lleva por título Pescador apoyado en una barca, y es de 1902, mostrándonos esa mezcla de melancolía, tal vez tristeza ante los nuevos tiempos de industrialización que parece vislumbrarse al fondo, o simplemente descanso sosegado tras la faena, como el pescador del famoso cuento.

Adquirido, como nos relata el catálogo, en Sotheby’s en 1988, es la primera vez que se expone en público, ocasión por tanto importante de una obra cuyos datos son difíciles, al menos para mí, de rastrear, incluso en páginas muy completas a cerca del autor.

Otra obra de similar temática, los trabajos marineros, y que pudiera sugerir parecidas reflexiones, es Pescadores en el puerto de Bilbao, de Enrique Martínez-Cubells. Este autor, si bien de nacimiento madrileño, tuvo una importante vinculación con Asturias, tanto por amistades personales como por su obra (El viático en la aldea, Puerto de Cudillero)

Tomado del catálogo de la exposición

 

Otra temática asturiana, abordada con dos obras de gran importancia y de hondo calado psicológico y de análisis social, es la minería.

El gran Evaristo Valle nos muestra Faena carbonera, de 1929, en la que unos seres despersonalizados y doblegados por las circunstancias, en un ambiente de colores oscuros y sin horizonte, tratan de arañar del fango unas migajas de carbón que puedan vender. Obra que Francisco Zapico,en un muy detallado análisis social de la vida y obra del autor, no duda en adjetivar como auténtica obra maestra…., estudiándola junto con Faena del carbónEncuentro en lo alto.

Tomado del catálogo de la exposición

Aún resuenan en mi memoria los ecos de contemplar como, en una aldea costera de la desembocadura del Nalón en la que pasaba los veranos de mi infancia, una muy humilde familia numerosa recogía, en un trabajo más que sacrificado y no exento de peligros, los restos de carbón arrastrados desde los lavaderos, río arriba, y devueltos a la playa por las mareas. Una vez separados de la arena eran vendidos, para así complementar el muy exiguo salario del cabeza de familia.

No menos impresionante, expresiva y psicológicamente es Minero asturiano (1964) del entrañable Mariano Moré Cors

Procedente del catálogo de la exposición

Por cierto, que otra de sus obras, con similar temática y mensaje, el excepcional Niño de la Cuenca será la Obra Invitada del Museo de Bellas Artes de Asturias, procedente de la Fundación Alvargonzález.

Tras los temas arriba señalados, no podía faltar la referencia a la industria y al proceso industrializador, aspecto que será abordado por dos artistas también asturianos, como son Magín Berenguer Alonso y Pelayo Ortega.

El primero, con su obra Trabajadores de la industria sobre esa dualidad, unas veces en convivencia, otras veces en confrontación, del trabajo artesanal, con reminiscencias campesinas, y de la plena industrialización, de las factorías y las máquinas. Tema este tan querido a otros literatos asturianos como Clarín (Adios, Cordera) o Palacio Valdés (La Aldea perdida).

Magín lo expresa plásticamente con un recurso compositivo geometrizante (sic),  como son dos planos distintos, a modo de franjas diferenciadas.

Procedente del catálogo de la exposición

 

Pelayo Ortega nos ofrece Fábrica de cementos de La Robla, de fecha tan cercana como 1988, profundizando también en el binomio tradición-modernidad, fórmula, la del diálogo binomial, que reitera entre figuración y abstracción, también dentro de una estética muy geométrica, y con una referencia al entorno y la naturaleza.

Tomado del catálogo de la exposición.

Por último, el malagueño Daniel Quintero nos ofrece Retrato de Don José Masaveu Masaveu, de 1995, retrato de una composición perfectamente estructurada, tanto en lo escenográfico, con el fondo de la fábrica, como en lo simbólico, , figura central del personaje, en presentación de primer plano, sillón y plano en la mano dcha, y con una aproximación psicológica a la figura, mirada penetrante, serenidad, determinación.

Tomado del catálogo de la exposición

En resumen, cumplimiento con una tradición personal, que en lo individual significa una vez más un canto agradecido a la vida, y en lo colectivo, una oportunidad para reflexionar a través del arte de nuestra realidad social.