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In memoriam: Laly González

8 Mar
LALY

Fotografía tomada del diario La Nueva España

Desgraciadamente cada vez con más frecuencia de la deseada me pongo frente al ordenador para escribir una necrología. Es ley de vida, …pero dura lex. En este pasado enero, usto cuando se cumplía un año de la desaparición de Ana Llavona tuvimos que lamentar la de Laly González. Ambas,  compañeras  de los mismos compromisos cívicos en múltiples  ocasiones, fueron de esas personas que su amigo Armado Miranda, parafraseando a Brecht, califica de imprescindibles.

Lamento no haber conocido a Laly hace más años, pero desde que tuve la fortuna de hacerlo, además de los datos que se pueden obtener de su biografía, se convirtió en un testimonio y un ejemplo a intentar seguir de coherencia, firmeza, honradez, ética y fraternidad.

Siempre en primera línea del compromiso social, entendido como búsqueda de la igualdad en dignidad para todo/as, nunca rehuyó el esfuerzo y el sacrificio por encima de sus intereses personales. Portadora de ideas muy elaboradas y profundas, las expresaba con firmeza, al tiempo que con exquisita elegancia, y las reforzaba con el testimonio de la coherencia de su vida personal. Eso le llevó a participar de forma muy activa en múltiples movimientos y reivindicaciones vecinales y sociales.

Convencida de que la cultura es el camino que nos lleva al diálogo respetuoso con los demás y por tanto a un mayor entendimiento y también a un mayor acceso a la justicia, esta fue también una de sus trincheras de militancia. Es conocido su trascendental papel en la fundación de Tribuna Ciudadana.

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Centro Penitenciario de Asturias. Fotografía tomada del diario El Comercio.

La fortuna quiso que la conociese con motivo de una de sus actividades a las que dedicaba, como a todas las demás, todo su esfuerzo y cariño: la asociación Prisión y Sociedad. Ella, junto con otras muy queridas personas, me enseñó dos grandes verdades de difícil asimilación en general: primera, que los internos reclusos en una prisión son, antes que nada, personas a las que debemos el respeto a la dignidad de tal, y segundo, que es absurda la actitud de segregación o desprecio con que con frecuencia la sociedad bien pensante los estigmatiza, pues todos nosotros, por circunstancias que ni se nos pasan por la cabeza, podemos vernos cualquier día en esa circunstancia.

Así las cosas, hace ya muchos años, un grupo de muy valientes mujeres decidieron apostar por compartir tiempo y conocimiento con lo/as internos/as recluso/as de la prisión provincial con el pretexto de talleres de las más diversas actividades (trabajos manuales, informática, música, elaboración de revistas, biblioteca, salud, etc) lo que significa, en palabras de las propias internas reclusas, un soplo de aire fresco que las mantenía aún en relación con una sociedad de la que estaban excluidas.

Dentro de su inmenso corazón, tan grande que al final le falló por no caberle más carga, un hueco de honor fue para la UTE (Unidad Terapéutica y Educativa) donde se trataban de instaurar módulos libres de drogas, en una experiencia que sería modelo para toda España. En dicho módulo compartía con los internos un taller de “Literatura y Debate”, desde el que trataba de colaborar con lo que era su anhelo de reeducación y reinserción, en coincidencia con la valiente Concepción Arenal, cuando decía aquello de abrid más escuelas y se cerrarán más cárceles.

Su actitud «adorablemente franca, directa, clara y contundente», en palabras de Eva González, le llevó a participar, incluso en sus últimos tiempos y ya enferma, en encuentros y acciones, que permitieron revertir el desmantelamiento que había sufrido la Unidad. Todos los que la conocíamos sabíamos que allí era feliz.

Durante unos años su querida Asociación Prisión y Sociedad Ramón de Sagra, fundada en 1983, publicó un Boletín, una de cuyas portadas reproduzco a continuación.

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Precisamente en este número en este número firmaba un artículo titulado Mi experiencia en el llamado Taller Literario de la UTE 1. Y fiel a su amor, en la misma publicación, en diciembre de 2014, escribía otro artículo titulado Las UTE que yo añoro. Lamento mucho no poder transcribirlos enteros, por la humanidad y hondura que contienen pero prometo que si alguien está especialmente interesado/a, le haré llegar copia en .pdf.

El mismo Boletín en el XXV aniversario de la Asociación publicaba un número monográfico resumen de las actividades durante ese tiempo, y entre otras muchas cosas interesantes anunciaban el nacimiento de otro nuevo Boletín, en este caso el titulado El Golpe Informativo, nacido en el Taller de Periodismo del Módulo 10 de Mujeres, elaborado por las propias internas reclusas. Reproduzco una de sus portadas pues en la misma aparece una fotografía de esas heroínas fundadoras a las que aludía al principio.

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Otra actividad impulsada por Laly, a través de su Prisión y Sociedad, fue La Bola. En 1985 se propusieron crear un programa radiofónico con ese nombre, que sirviera de intermediario  entre las familias y amigos de lo/as interno/as. Con esa idea peregrinaron por muy diversas emisoras, hasta que Radio Qkarachagenerosamente les cedió un espacio todos los miércoles, entre las 21:30 y las 11:30 horas. El programa, a tenor del número de cartas y llamadas en antena  recibidas, tuvo un gran éxito. Lamentablemente no sé decir hasta cuando duró y por qué finalizó.

Estas breves pinceladas tratan de expresar la admiración, en un día como hoy, 8 de marzo, a la entrega incansable de Laly, de las otras mujeres que la acompañaron en sus andaduras, y de todas las mujeres del mundo que luchan porque están firmemente convencidas que otro mundo mejor es posible.

No estarán fisicamente con nosotros, pero su recuerdo perdurará en nuestro corazón, y, dándonos fuerzas para intentar imitarlas, aunque sea muy torpemente, alimentará nuestra esperanza.

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Hay mucha gente buena por el mundo!!!

18 Feb

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La vida actual, son su ritmo vertiginoso, los llamados medios de comunicación, muchas veces más preocupados por la polémica y el escándalo que por la verdad, las redes sociales que permiten el exabrupto anónimo e irreflexivo, la insolidaridad y la crispación que se extiende como una mancha de aceite, son árboles que parecen mostrarnos un bosque de inhumanidad y hasta de maldad, sin que haya más realidad que esa tan terrible.

Sin embargo, afortunadamente no es así.

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Cuando una persona pasa por un trance complicado, la vida le regala seres humanos con mayúsculas que saben ver a su prójimo, y no solo poner a su disposición toda su profesionalidad sin límites y gratuitamente, sino que añade un plus de cariño, calor afectivo e incluso simpatía que reconforta.

Es entonces cuando te das cuenta que la esperanza se encarna en ellas, y que esas son las imprescindibles.

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Con mi hija en el Campoamor (XIII): Pero…, que hecho yo para merecer esto?

14 Ene

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En 1892 Ruggero Leoncavallo estrena la ópera titulada Pagliacci (Payasos), uniéndose así a Cavalleria rusticana, de Pietro Mascagni, estrenada dos años antes, y formando ambas la enseña principal de un nuevo capítulo de la historia de la ópera, el verismo. Tan unidas están ambas obras en el imaginario colectivo que en no pocas ocasiones se representan juntas, aprovechando además la menor duración de lo habitual de ambas.

Curiosa historia esta del verismo que no llega a alcanzar el éxito de otros estilos, al punto que algunos libros de referencia en el mundo de la ópera apenas lo citan, ni a los autores referidos, más que en un par de ocasiones y muy tangencialmente, sin entrar en ningún análisis ni contextualización histórica. (1)

Aunque con menor implantación artística que su correlativo literario, el naturalismo de Zola, Galdós o Dostoievski, el verismo aporta a la ópera dos factores, sin duda novedosos, que nos interesa considerar. En primer lugar una visión brutal de lo cotidiano, que se habría de transmitir a un realismo en decorados y vestuarios, que rompería con el romanticismo belcantista.

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Por otra parte, la aparición  de los cantantes-actores que además de una voz hermosa con la que interpretar melodías delicadas, eran también capaces de representar sus personajes expresando todos sus crudos matices. (2)

En el caso que nos ocupa, Pagliacci es una obra de altísimo voltaje dramático, acrecentado por el hecho de estar basada en un hecho real, o al menos eso cuenta la tradición, que si non e vero, e ven trovato. Pues bien, la reciente versión ofrecida en nuestra LXII temporada en el Teatro Campoamor, con la dirección escénica de Guy Joosten, en modo alguno alcanzó tan tensión dramática, al punto que en algunos momentos era difícil discernir si se trataba de uno de los iconos del verismo o de una ópera bufa.

Por otra parte el diseño del escenario no tuvo nada de original, por más que lo pareciese, pues la idea del teatro dentro del teatro figura ya de antiguo en alguno de los citados textos de referencia. (3)

La representación se salvó por la bella música de la obra, las voces de los cantantes (algunos, no actores), tal que si se cerraban los ojos permitían disfrutar, y el buen hacer de nuestra OSPA, y de su director musical en este caso, Will Hamburg.

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Pero, ay!, lo peor estaba por llegar. Aquellos que ingenuamente no hicimos caso de las advertencias de nuestros amigos, según los cuales sería mejor abandonar la sesión al descanso, hubimos de sufrir las consecuencias.

Alexander von Zemlinsky, autor de obra tan interesante como su biografía, actualmente en auge, nos ofrece sin embargo en esta ocasión Eine florentinische tragödie (Una tragedia florentina), que, a pesar de tener un libreto proveniente de la traducción literal de la obra de Oscar Wilde, se convierte en una historia plúmbea, tópica y previsible, con una música monótona hasta la saciedad.

Por otra parte, la puesta en escena reitera los errores de la obra anterior y profundiza en  su absoluta falta de originalidad.

En fin, bien está conocer de todo, incluso aquello que no nos gusta, pero también sería interesante conocer óperas de mayor actualidad, con historias menos tópicas. Respecto a las puestas en escena, aún admitiendo las grandes limitaciones en cuanto a escenario de nuestro primer coliseo lírico, no está demás que los directores escénicos recordasen las facilidades que la tecnología moderna aportan, como está temporada pudimos disfrutar con la representación de Rinaldo.

Por cierto, el  catálogo que en esta ocasión nos brinda la Fundación Ópera de Oviedo, como siempre excelentemente editado, nos brinda, además de las estupendas firmas que componen los diversos artículos del mismo, una muy amplia muestra de la obra pictórica de Edward Hopper, muy de agradecer.

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(1) Daniel Snowman.- La ópera. Una historia social. Col. El Ojo del Tiempo. Ed. Siruela, Madrid (2012)

(2) Laia Falcón.- La ópera. Voz, emoción y personaje. Col. Alianza Música. Alianza Editorial, Madrid (2014)

(3) Roger Alier.- Guía universal de la ópera. Ma non trompo. Ed. Robinbook.  Barcelona (2000)

These seats are made for resting

23 Dic

El título remeda el de una famosa canción de Nancy Sinatra, allá por mis años mozos (ya llovió!!!).

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Pero no es de música de lo que quiero hablar hoy, si no, posicionarme ante una polémica surgida en mi ciudad. El asunto: el intento de retirada por parte de la actual corporación municipal de unos bancos pintados con los colores arcoíris de la bandera LGTBI, instalados por la corporación anterior para dar visibilidad al citado colectivo.

La existencia desde el principio de la historia de una gran variedad de expresiones de la sexualidad humana es una evidencia cuya negación nos convertiría en terraplanistas. Pueblos y personajes considerados el culmen de la cultura occidental practicaron la homosexualidad como parte de su expresión cultural más elevada, que se sepa ya desde el Primer Milenio a. C. Por otra parte, las evidencias científicas actuales no tienen ningún problema para poder afirmar que la homosexualidad es una manifestación normal y natural de la sexualidad humana y no es en sí misma una fuente de efectos psicológicos negativos.

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Sin embargo, a partir de la Edad Media, y coincidiendo con los tiempos y escenarios geográficos donde era y es mayor el oscurantismo, estos grupos de personas fueron y son perseguidos, estigmatizados e incluso torturados, obligándolos a esconder también sus expresiones de amor, y haciéndoles pasar auténticos calvarios psicológicos y físicos, que en ocasiones dejan marcadas sus vidas.

Por eso no es de extrañar que a medida que las personas nos vamos convenciendo de que no solo es lícito sino también necesario luchar por conseguir espacios de tolerancia y libertad en todos los ámbitos de esta vida, estos colectivos también hayan decidido reivindicar dichos valores con orgullo, y celebrando a modo festivo los tristes disturbios de Stonewall de 1969, para enfrentarse así a la injusticia e inhumanidad con que fueron tratados, lo mismo que se hizo con el día de los trabajadores o con el día de la mujer.

Yendo al hecho que nos ocupa, a quien o quienes molesta la expresión de una idea, pacífica, callada, y de forma luminosa y a través de unos instrumentos que sirven para dar descanso al paseante fatigado o al que quiere disfrutar de un momento de sosiego?. Acaso tienen miedo a esa actitud?.

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Un querido amigo y yo disentimos a este respecto. Él me dice que prefiere más los bancos azules, que es el color de nuestra ciudad, y transmite en sus redes la opinión de que por qué no dejar las cosas como estuvieron siempre. Me encanta el intercambio de ideas con él, pues lo hacemos desde el cariño y respeto mutuos. En cualquier caso he de decir que, desde que existe el mobiliario urbano en nuestra ciudad, nunca los bancos ni las sillas fueron azules, y que además si siempre hubiésemos dejado las cosas como estaban, es posible que aún no hubiéramos llegado al neolítico.

Nuestra ciudad, la de mi amigo y la mía, y la de otros 200.000 convecinos, ostenta en su escudo el lema de Muy noble – Muy leal – Benemérita – Invicta – Heroica – Buena. Es también una ciudad culta, agradable, muy peatonalizada, con lo que permite pasear y encontrar a los amigos, con los que charlas apaciblemente. Es una ciudad con un tamaño del que podríamos decir que anima a un ambiente muy humano. Pues bien, además yo quiero que también tenga el título de Muy tolerante. Y posiblemente lo sea ya, y si no, véase la sabrosa tradición del Desarme.

Hay aspectos de la estética LGTBI que no me gustan, como estoy seguro que a ellos no le gustan muchos aspectos de mi estética. Es posible que consideren anacrónica mi costumbre de usar diariamente corbata. También hay aspectos de la estética heterosexual que no me gustan. Pero creo sinceramente que si tales estéticas las expresamos con respeto y evitando el animus iniurandi podemos enriquecernos mutuamente.

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En todo caso, no creo que sea un clamor absoluto el deseo de cambiar los famosos bancos, o al menos subjetivamente también se puede pensar que hay un clamor por mantenerlos. Por qué no opinamos todos?. Por mi parte, como bien dijo Stephen G. Tallentayren, estoy en desacuerdo con lo que dice (quienes abogan por la eliminación de los bancos), pero defenderé hasta la muerte su derecho a decirlo. Harán ellos lo mismo con mi opinión?.

Feliz Navidad!

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Ex libris (V): Rico en amigos

12 Dic

Si es cierto el dicho de que el que tiene un amigo tiene un tesoro, y yo lo creo a pies juntillas, entonces yo soy más rico que toda la familia Rothschild junta.

Y lo soy por partida doble, por el ingente número de ellos (mis amigos) y por la altísima calidad humana de los mismos.

Un grupo de los citados nos reunimos semanalmente en una tertulia denominada Viva D. José, en la cafetería Oxford, sita en la calle San Francisco, y cuyo acto fundacional se pierde ya en la noche de los tiempos. Es una tertulia en la que rendimos culto a la amistad, honramos a la libertad de expresión y al disentimiento vehemente pero respetuoso.  Arreglamos el mundo con facilidad (la armonización territorial nos lleva escasamente diez minutos), todo con apasionamiento  y alto volumen, que se quedan a la puerta de la cafetería en el momento de la despedida, porque nos queremos mucho. Tan es así que aunque todos somos ya ancianos venerables, e incluso algunos estamos inmersos en una brillante decrepitud, no queremos descolgarnos de los avances tecnológicos, y, cual si fuésemos miembros de una AMPA cualquiera, tenemos un grupo de whatsapp en el que cada vez que algún miembro de la tertulia publica o expone algo, todos los demás lo felicitamos efusivamente con elogios sin límites.

Además en esta tertulia hay escritores, humoristas gráficos, pintores, fotógrafos, finos analistas políticos, exigentes críticos artísticos, musicólogos aficionados y todo tipo de diletantes que saben navegar entre la provocación, el respeto y el raciocinio.

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Uno de los fundadores de la tertulia es José Manuel Vilabella Guardiola, contrastado erudito, escritor, gastrólogo (sic), grabador y coleccionista de todo tipo de cacharros inútiles, entre otras muchas habilidades. A su amplísimo curriculum pueden ustedes aproximarse a través de este enlace.

Vilabella podría haber sido un humanista en la Florencia renacentista, próximo a Bocaccio, un acomodado hacendado en la Cuba colonial, quizás contertulio de Morazán, un erudito diputado de la Asamblea Nacional de la Francia enciclopedista, compañero de bancada de Voltaire, o un dandy en la City londinense, por supuesto amigo de Oscar Wilde. Es decir, siempre heterodoxo, provocador y vehemente.

Pero no, Vilabella eligió ser un gallego, que con eso toda descripción está hecha, y habita  la patria del hedonismo y tiene por única bandera la amistad, compartiendo su erudición, ingenio y vehemencia con sus amigos, porque Vilabella es siempre generoso amigo de sus amigos y sobre todo un hombre bueno, en el sentido machadiano del término.

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Y así como es, así escribe. A borbotones, con vehemencia y un punto, o muchos puntos suspensivos, de provocación.

Pero ojo, amigo lector, Vilabella presume, y doy fe de que lo hace con toda razón, de que nunca miente,…excepto cuando escribe, que lo hace pero poco, solo alguna vez, adoptando personalidades múltiples, o literaturalizando (sic) algún sucedido, de modo que si no e vero e ben trovato. En esta reciente publicación a la que quiero referirme, Memorias de un gastrónomo incompetente, estoy seguro que, por la esencia misma de la obra, tales licencias poéticas están reducidas al mínimo.

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El libro es de muy fácil lectura, te atrapa desde la primera página, y la escritura fluye con gran facilidad. Está trufado (seguro que el gastrónomo prefiere este adjetivo a los de plagado, lleno u otros sinónimo), digo que está trufado de divertidas anécdotas, descripciones de personajes y datos de la evolución de las distintas épocas de la gastronomía  en España y de su bibliografía, aspecto este que el autor conoce muy bien por ser un hombre muy culto y un gran bibliófilo.

El estilo es, y no podía ser de otra manera, como el propio autor, muy provocador, y ecléctico. Se mezcla la autobiografía, la revisión histórica, lo periodístico y los relatos cortos, a modo de interpolaciones, lo que hace que el esquema y el ritmo sean muy heterodoxos, y por tanto las clásicas unidad de acción, tiempo y espacio salten por los aires, pero eso sí, con galanura e ingenio, coqueteando con la inteligencia del lector (recuerdan aquella revista que se llamaba La Codorniz?).

La cuidada composición  de Ediciones Trea, muy elegante en su sobriedad, se culmina con una cubierta ilustrada por una caricatura de Modesto Glez. Sanz, Nestor, también miembro de la tertulia, y del que otro día tenemos que hablar.

Como diría el autor, corran, vayan, compren el libro y léanlo. No se arrepentirán, se divertirán y aprenderán mucho de una parte no baladí de la historia social de nuestro país. Dulce et utile, dicen que dijo Horacio.

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Con mi hija en el Campoamor (XII): De Rinaldo a Un ballo in maschera.

3 Dic

Aunque ya tuvimos nueva incursión en el mundo operístico con Un ballo in maschera, aún continúo disfrutando de los recuerdos del pasado Rinaldo.

No vamos a descubrir ahora la mucha y buena música de Handel. Y dentro de ella, la de Rinaldo, que aunque algunos críticos aseguren que la partitura fue escrita en dos semanas, y que utiliza hasta 15 números de otras ocasiones, es bellísima y contiene pasajes dignos de figurar en el top-ten de la música clásica. Recordemos aquí el Lascia Ch’io Pianga , que efectivamente ya había aparecido en uno de los oratorios de Handel, Il triunfo del templo e del dissingannoasí como en su Sarabande , popularizada por la película Barry Lyndon, sin que esto le quite calidad ni emoción.

Tampoco vamos a descubrir a nuestra Oviedo Filarmonía, orquesta que tras sus veinte años largos de trayectoria se ha ganado merecidamente una sólida reputación en el mundo sinfónico y lírico. En esta ocasión interpretó la transparente  música de Handel con gran brillantez. Por supuesto a ello contribuyó de forma definitoria la dirección de Aaron Zapico con su ya acreditada formación Forma Antiqva, uno de los máximos orgullos de la música de nuestra región, con proyección y reconocimiento internacional indiscutibles.

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A este propósito es obligatoria hacer una salvedad, aunque sea abriendo un paréntesis en las reflexiones sugeridas por Rinaldo. Aaron y sus hermanos, con su conjunto, constituyen uno de los grupos de élite en la música antigua a nivel internacional, y sin embargo en esta región tuvieron todo tipo de dificultades tanto a nivel interpretativo como a nivel residencial, obligándoles a tener que buscar su espacio fuera de su casa, con todo lo que eso significa, primero de injusticia manifiesta y segundo de pérdida de referencia del nombre de nuestra región más allá de nuestras fronteras.

Al respecto invito a los posibles interesados a que lean la serena y detallada entrada de Aaron el 19 de noviembre en su página de Facebook donde explica los detalles de tanta insensatez.

Siguiendo con Rinaldo, de los intérpretes vocales, dado que no soy un experto, no me atrevo a opinar para no caer también en la insensatez, y les remito a ustedes a comentarios más autorizados, aunque he de decir que en general me gustaron mucho.

Dicho todo lo anterior, manifestar que en esta ocasión el mayor atractivo de la función lo encontré en la dirección de escena llevaba a cabo por Kobie Van Rensburg

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Para Kasper Holten, director de Royal Opera House de Londres, la ópera es la obra de arte definitiva. Y sin embargo, en si misma no es tanto un arte como el encuentro de todas las demás formas artísticas, citando a continuación las artes visuales.

Al respecto, Robert Carsen señala que Handel emplea a menudo una estructura postshakespeariana en la que las escenas trágicas y cómicas se alternan,…, y las tramas suelen ser complejas y difíciles de situar. Eso puede derivar de un uso libre de la ironía en la puesta en escena…

El libreto de Giacomo Rossi, inspirado en la epopeya Gerusalemme liberatade Torcuato Tasso, puede tener un cierto sentido a finales del siglo XVI, fecha de su publicación, pero a día de hoy no tiene ni la más mínima credibilidad ni, por supuesto, el mínimo rigor histórico, y su andamiaje teatral se desmorona si se le pretende tomar en serio. Muchos críticos están de acuerdo en que este es con mucho el peor libreto con el que se las tuvo ver Handel.

Ante esta tesitura, Van Rensburg supo ver, y así lo manifiesta en el, como siempre cuidadísimo, programa de mano, que a día de hoy podría ser …un precursor de los cómics de superhéroes, de las películas de ciencia ficción y de los videojuegos…, coincidiendo con esa ironía escénica del autor a la que antes aludíamos.

Así, aprovechando las modernas tecnologías visuales, que para algo el mundo evoluciona, consigue que lo que podría haber sido un ladrillo infumable se haya convertido en, como denomina la fuente antes citada, …una de las propuestas más originales y libres…

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Todo lo contrario sucede en la producción de Un ballo in maschera. El libreto de Antonio Somma, basado en otro de Eugéne Scribe, no se sostiene no ya históricamente, que tampoco, sino tan siquiera melodramáticamente. Argumento tópico y más que previsible que no logra mantener el ritmo ni la atención, y que por supuesto no se justifica con los siempre citados problemas con la censura.

Por mucho éxito que haya tenido, y lo tuvo, en sus estrenos de Roma, Barcelona, Nueva York o el Reino Unido, y por muy de Verdi que sea (gustos que siempre hay que respetar), esta ópera no es Rigoletto, La Traviata, Don Carlo, Otello, Aida, Nabucco o Falstaff. Comenta Wikipedia que el incremento de representaciones en la época actual de Un ballo…comienza tras su representación en Copenhague en 1935. Acaso será porque Gustavo III, el rey asesinado era sueco?.

Pues sobre estos mimbres Fabio Ceresa añade las telas. Y que telas!. Sobrecargadas, ostentosas, fuera de tiempo y de espacio, todo ello en un escenario tópico, también sobrecargado de figurantes que van y vienen no se sabe muy bien a donde, con situaciones desconcertantes y fuera de contexto, como el fumadero de opio y sus sirvientas orientales. Y cuando por fin quiere poner una nota de humor y desenfado, como contraste a una presunta tragedia que por tópica y previsible no conmueve a nadie, pone al personaje de Oscar, por cierto interpretado por Inés Ballesteros con entusiasmo y acierto, a dar unos saltos y cabriolas que tampoco tienen mucha justificación. Oscar es un paje fiel, no un bufón. Menos mal que el Renato de Juan Jesús Rodríguez nos aportó profundidad y emoción.

En fin, excentricidades y provocaciones, no, pero naftalinas (sic) de antaño, por favor solo las inevitables.

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Algunas referencias:

  • Daniel Snowman: La ópera. Una historia social.- Ed. Siruela. El ojo del tiempo. Madrid (2012).
  • Catálogo  de la exposición Ópera. Pasión, poder y política. CaixaForum.- Barcelona (2019)

Cosas veredes…: Trinidad Formoso

3 Nov

 

En estos confusos tiempos que la modernidad denomina líquidos y que los antiguos denominábamos de cuentos chinos, cuando los curatores (horrible anglicismo que el DRAE no contempla) organizan tantas exposiciones de discutible contenido, únicamente a mayor gloria de ellos mismos, y cuando un artista vale únicamente lo que los marchantes dictan que vale, es difícil encontrar una exposición más sincera y más honrada, aparte de su alto contenido estético, que la de Trinidad Formoso, titulada Luces de la Memoria, y que hemos podido contemplar en la Sala de Exposiciones del Edificio Histórico de la Universidad de Oviedo este pasado octubre.

Desde el aspecto del análisis estilístico no osaré a añadir nada a los precisos comentarios de Dña. Julia Barroso Villar, y únicamente pretendo enfatizar algunos aspectos, tanto personales como artísticos de la autora, que considero reseñables.

En primer lugar quisiera incidir, también lo hace la Sra. Barroso, en la discreción de Trinidad Formoso. Para quien no la conozca personalmente, sirva la circunstancia, extraordinariamente infrecuente en nuestros días, de que si se pretende rastrear su biografía en internet y sus redes sociales, no se encontrará un solo dato.

Otro aspecto que avala tal aseveración es el hecho de que siendo Trinidad Formoso una persona de amplísimo bagaje cultural, como lo demuestra la sabia conjunción en  la estructuración de su exposición de la plástica, la historia y literatura, concretamente poesía, y la música, a la hora de abrir su muestra, en vez de hacerlo con una sentencia poética propia, que modestamente coloca en el interior de la misma, deja tal lugar a Chillida, sin duda uno de sus referentes de inspiración.

 

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Centrándonos ya en su exposición, lo que más positivamente me impresionó fue su musicalidad.

La estructura física a la que antes aludíamos es en si misma un elemento discursivo, al modo que lo puede ser la estructuración del programa de un concierto sinfónico. Y en esa expresividad combina de un modo rítmico estructuras (series, binomios, etc), colores y formatos, componiendo así aspectos melódicos. Estoy seguro que ya la disposición de sus obras podían trasponerse a notas musicales.

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Esa tensión dialogada entre la propuesta expresiva de la autora y la percepción reflexiva del espectador acaba construyendo la melodía artística que colma nuestro espíritu. Es una tensión serena, fruto de un trabajo discreto y silencioso como decíamos antes, pero continuado, buscando la evolución por nuevos caminos, aparentemente sencillo pero con complejas estructuras internas, cual si de melodía mozartiana se tratase.

En cuanto a la técnica, como ya el título de la exposición nos anticipa, utiliza el collage, ese modo que nos conduce a las denominadas vanguardias históricas y a figuras como Picasso, Braque, Juan Gris e incluso Tápies, entre otros muchos, y que tanto significado tuvo con el cubismo, y por tanto con sus concomitancias entre plástica y música.

Al respecto, en esa búsqueda investigadora y evolutiva, inexcusable en todo buen artista, Trinidad incluye en este caso de modo sutil nuevos material como paja, telas, arena, y textos, variados textos, literarios y musicales, que sirven para poner en foco el sedimento intelectual de tiempos anteriores, es decir, para iluminar con la memoria, como también el título de la exposición manifiesta.

También introduce como un nuevo, al menos para mí, elemento estructural las series, en ocasiones de forma muy explícita, como la mostrada más arriba con la cita de Chillida o con sus Arnolfinis siglo XXI, por cierto la única obra con cartela con título, como si en las demás las quisiera dejar abiertas a esa tensión dialogada a la que hace alusión en su poética frase.

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En otras ocasiones la serialidad es más sutil, como en un breve pianissimo, referida únicamente a los colores,  tamaños o a algunas formas y materiales. En cualquier caso, nunca será un serialismo atonal schomberiano, sino siempre muy melódico, eso sí con modulaciones debussynianas. 

Tengo la certeza de que un retazo de partitura, lo mismo que otros textos, que aparece en el fondo de una de las obras (lamento no tener esa fotografía), y que corresponde a un allegro, a ritmo de cuatro por cuatro, no está escogido al azar, sino que corresponde a toda una declaración de intenciones.

En cualquier caso, profundo agradecimiento a la autora por el regalo que nos brinda, y que nos permite un disfrute sosegado y muchos motivos de reflexión, aspectos ambos de los que hoy en día estamos tan necesitados. Sin duda habrá que continuar siguiendo su evolución, que a buen seguro que no acaba aquí.

 

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